The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish translation by Gilbert, Lacie, Lotty & Oz from "Pandora Hearts (Latino)"
English
The basis of the universe in which the story unfolds is a Victorian setting with classic fairy tales, having numerous characters that we recognize from European children's stories known worldwide, be it Alice, Humpty Dumpty or March Hare, building a fairy tale atmosphere. And it is extended through the particular symbolism of the work, chains, invocations and a tragedy prolonged through time, acquiring its own marked personality.
Of course, to express it, it also needs equally consistent
...
characters. The Manga has a large cast, each with their own motivations, plans and emotions, at the beginning the goals and ideas for a narrative are presented in a natural way, and towards the end, as the many twists and secrets are revealed, it grows in complexity without seeming imposed or unexpected.
This is also favored by the wide variety of characters represented in the different archetypes used, i.e., there are those who are simple to understand and comprehend because they have been presented as such, others have several layers of remarkable intentions from the first time and a handful are different from what they seem to be. Nor does it imply a heavy or dense narrative, although there were segments where "I had to keep up with the pace", the rest is entertaining to read because of the chemistry they have with each other, strengthened by the archetypes mentioned.
When the harshness of the situation demands it, the mangaka Jun Mochizuki demonstrates her skill as a writer and illustrator to combine it in striking panels, where the beauty or pain of the action is elevated with a few accompanying words. And that talent is captured throughout the work, which can go from comedy to drama without seeming dissonant with her intentions, again, because of the correct arrangement of the characters.
By achieving a work with heart, it is easy to become attached to its characters or to resonate with the different thematic reflections among which are obsession, identity, friendship, love or destiny. Everyone with their own beliefs about it and willing to fight for them to prove their commitment. It is surprising the complexity achieved is in its narrative plane once past the opening presentation, with several narrative threads echoing each other, or in the thematic, with representations and symbolism to demonstrate ideas; although it was not a flawless way.
If I blame a main mistake is that it should have a longer duration either at the beginning or at the end. During the beginning, the universe presented is brimming with attractiveness, due to the presence of fairy tale characters or the Victorian setting, hence I would have liked to see more of the context, of the small places for mere moments that will have transcendence being any memories, because once the key points of the plot begin to happen it keeps constantly going from objective to objective.
In the end the narrative threads use each character, all have something of interest regarding the particular to underline their path, evolution and understanding, but given the amount is inevitable that not all have had the same definition, ending with that in a couple of chapters are presented the revelation and immediately the resolution, making it seem compressed and to lead immediately to the next big event.
Jun's great skill as a mangaka is constantly present in the character design, the presentation of his Victorian universe and the drawing for the action, several panels having remarkable strength in what is represented, while in others where an equally shocking revelation happens, it is enough with little to generate impression and memory.
Pandora Hearts is presented as a tale of dark secrets that ends in an epic and complex story for its many characters, each with their own perspectives. Where what seems to be fate is confronted and overcome because there are those who believe in love, friendship, in themselves and in others.
Español
La base del universo en el que se desarrolla la historia es un ambiente victoriano con cuentos clásicos, habiendo numerosos personajes que reconocemos de historias infantiles europeas conocidas mundialmente sean Alicia, Humpty Dumpty o March Hare, construyendo una atmósfera de cuento. Y es extendido a través del simbolismo particular de la obra, cadenas, invocaciones y una tragedia prolongada a través del tiempo, adquiriendo una propia y marcada personalidad.
Por supuesto, para expresarla también necesita personajes igual de consistentes. La obra cuenta con un amplio elenco, cada quién teniendo sus motivaciones, planes y emociones, consiguiendo que tanto al comienzo se presente de forma natural los objetivos e ideas para trazar una narrativa, como que hacia el final mientras se revelan los numerosos giros y secretos, crezca en complejidad sin parecer impuesta o inesperada.
Lo anterior también es favorecido de la amplia variedad de los personajes representado en los diferentes arquetipos utilizados, es decir, hay quienes son simples de entender y comprender porque así han sido presentados, otros resguardan varias capas de intenciones notables desde la primera vez y un puñado son diferente a lo que parecen ser. Tampoco quiere implicar una narrativa pesada o densa, si bien hubo segmentos donde “debía seguir con el ritmo”, el resto es entretenido de ser leído por la química que tienen unos con otros afianzado por los arquetipos mencionados.
Cuando la dureza de la situación lo exige, la mangaka Jun Mochizuki demuestra su habilidad como escritora y dibujante para compaginarlo en impactantes paneles, donde lo bello o doloroso de la acción queda elevado con unas pocas palabras acompañantes. Y ese talento se plasma en toda la obra, que puede ir de comedia a drama sin parecer disonante con sus intenciones, nuevamente, por la correcta disposición de los personajes.
Consiguiendo una obra con corazón, es fácil encariñarse con sus personajes o resonar con las diferentes reflexiones temáticas entre las que se encuentra la obsesión, identidad, amistad, amor o destino. Cada quien con sus creencias acerca de la misma y dispuesta a luchar por las mismas para demostrar su compromiso. Sorprende que una vez pasada la presentación del comienzo, la complejidad conseguida sea en su plano narrativo, de varios hilos narrativos haciendo eco unos con otros, o en el temático, con representaciones y simbologías para demostración de ideas; aunque tampoco fue un camino impoluto.
Si le achaco un principal error es que debería tener una mayor duración sea al comienzo o en el final. Durante el inicio, el universo presentado rebosa de atractivo, por la presencia de personajes de cuentos o la ambientación victoriana, de ahí que me hubiera gustado ver más del contexto, de los pequeños lugares para meros momentos que tendrán trascendencia siendo recuerdos cualquiera, porque una vez que comienzan a suceder los puntos clave de la trama se mantiene constantemente de objetivo en objetivo.
En el final los hilos narrativos utilizan a cada personaje, todos tienen algo de interés respecto al particular para subrayar su camino, evolución y entendimiento, pero dada la cantidad es inevitable que no todos hayan tenido la misma definición, terminando con que en un par de capítulos sean presentada la revelación e inmediatamente la resolución, haciéndolo parecer comprimido y para guiar inmediatamente al siguiente gran suceso.
La gran habilidad de Jun como mangaka está constantemente presente sea en el diseño de personajes, la presentación de su universo victoriano y el dibujo para la acción, varios paneles teniendo remarcable fuerza en lo representado, a la vez que en otros donde suceda una revelación igual de impactante, le baste con poco para generar impresión y recuerdo.
Pandora Hearts se presenta como un cuento de oscuros secretos que termina en un relato épico y complejo por sus numerosos personajes, cada cuál con sus propias perspectivas. Donde lo que parece ser el destino es enfrentado y superado porque hay quienes creen en el amor, la amistad, en sí mismos y en los otros.
May 3, 2024
Pandora Hearts
(Manga)
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The following review is in English and Spanish (translated with the support of DeepL)
The version read is the Spanish translation by Gilbert, Lacie, Lotty & Oz from "Pandora Hearts (Latino)" English The basis of the universe in which the story unfolds is a Victorian setting with classic fairy tales, having numerous characters that we recognize from European children's stories known worldwide, be it Alice, Humpty Dumpty or March Hare, building a fairy tale atmosphere. And it is extended through the particular symbolism of the work, chains, invocations and a tragedy prolonged through time, acquiring its own marked personality. Of course, to express it, it also needs equally consistent ...
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Apr 12, 2024
Sekai no Owari to Yoakemae
(Manga)
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La siguiente reseña está en Español e Inglés (traducida con el apoyo de DeepL)
La versión leída es la traducción al español por KOT7K perteneciente a "GoFansub" Cuarta antología de Inio Asano, el título traducido es “El fin del mundo y Antes del amanecer”, son 11 capítulos en el que cada uno es una historia diferente, 4 relatos están directamente interconectados y en otros hay inferida una conexión aunque está más disposición de que lo considere así el lector. Las temáticas son varias, entre ellas tenemos la nostalgia, cotidianidad o amistad, sin embargo, hay una constante, sean los personajes adolescentes, jóvenes o adultos, y es sobre crecer. Un ... adolescente a las puertas de la adultez mediante el contacto con el sexo opuesto, jóvenes aspirando a un sueño o dandose cuenta de que sin proponerselo están consiguiendo una vida común y corriente, o el adulto quien ya habiendo conseguido lo que “esperaba” de él, esposa, casa e hijos, se encuentra a sí mismo en un nuevo inicio. Diferentes personas con diversas edades y personalidades, se enfrentan a la encrucijada de qué hacemos con nuestro presente para corresponder al futuro. Es inevitable que de evaluarlas individualmente consideremos una historia por encima del resto, sin embargo, contrario a cualquiera de sus anteriores antologías, no considero que ninguna sea “menor” a las otras. Es decir, a nivel semántico, hay una “mejor” pero no “peor”, no hay relato que entorpezca la consistencia, cada cual tiene una reflexión interesante por sí misma y que realiza eco sobre otras historias, y por eso, le considero la mejor antología de Asano hasta ese punto de su carrera. No sólo hay una refinación en la narrativa individual para conseguir la general, está la forma en cómo sucede cada cual, las reflexiones provienen desde el personaje y sus vivencias en el momento, dándole el toque de naturalidad en vez de sermón o pretensión desde el autor. Como también la definición de cada personaje, hay una escala de grises en que al observar a fondo a una “mala persona” se develan sus problemas y conflictos, no justificación o redención, sólo consideración en que cada quien tiene una vida. La mencionada historia interconectada es donde Ino mejor demuestra su aprendizaje, cada punto de vista aporta desde la consideración de su personaje para demostrar que aún un suceso cualquiera se construye desde la vivencia de diferentes personas, con sus conflictos y expectativas, aportando entre sí con el mero contacto. También es generalizado el optimismo de Asano en cada capítulo, sin importar la situación en la que se encuentre, la esperanza de un futuro algo mejor es lo que siempre persiste. Porque aún en el fin del mundo, también es interesante la persistencia de un apocalipsis en sus trabajos, deberíamos esperar a que el próximo día sea mejor que el actual. Si hay un elemento aparentemente disonante es el curioso primer capítulo, cada par de viñetas compone una minihistoria de todas las índoles imaginables, en el profundo de la noche la vida continúa para quienes estén despiertos. Es una excelente introducción a la composición que pese a deshacerse de los elementos sobrenaturales, explora su atmósfera de cotidianidad y convivencia. La constante mejora en el dibujo de Asano está en el sentido del encuadre en los momentos determinantes de la narrativa, de amplios escenarios que amplifican las vivencias de los personajes, como también en las situaciones más cotidianas experimentando con ángulos y planos que no había utilizado, o delimitando el ritmo de diferentes maneras. En especial, me gusta cuando se entremezcla cotidianidad y sobrenatural en la misma viñeta, ya presente en sus anteriores trabajos, más por la esencia sobria de está antología destacan todavía más, la combinación de lo común con lo representativo. Considero está antología su primer gran trabajo, todos los puntos que estuvo desarrollando hasta entonces llegaron al estado que aspiraba sea en narrativa, consistencia o dibujo. Es calificable, para cualquiera, que cada trabajo es sólo un paso hasta el próximo, y que seguramente los consecutivos puedan regresar a ideas y formas aquí presentadas, más eso ni disminuye el valor de su antología, al contrario, se volverá más notable por sí misma y para referencia de lo venidero English Fourth anthology by Inio Asano, the translated title is "The end of the world and Before dawn", there are 11 chapters in which each one is a different story, 4 stories are directly interconnected and in others there is an inferred connection although it is more up to the reader to consider it that way. The themes are varied, among them we have nostalgia, everyday life or friendship, however, there is a constant, whether the characters are teenagers, young people or adults, and it is about growing up. A teenager at the gates of adulthood through contact with the opposite sex, young people aspiring to a dream or realizing that without intending it they are getting an ordinary life, or the adult who has already achieved what society "expected" of him, wife, house and children, finds himself in a new beginning. Different people with different ages and personalities, face the crossroads of what we do with our present to correspond to the future. It is inevitable that if we evaluate them individually we will consider one story above the rest, however, contrary to any of his previous anthologies, I do not consider any of them to be "lesser" than the others. That is, on a semantic level, there is a "better" but not a "worse" one, there is no story that hinders consistency, each one has an interesting reflection on its own and echoes other stories, and for that reason, I consider it Asano's best anthology to that point in his career. Not only is there a refinement in the individual narrative to achieve the general one, there is the way in which each one happens, the reflections come from the character and his experiences in the moment, giving it the touch of naturalness instead of sermon or pretension from the author. As well as the definition of each character, there is a scale of grayscale in which to observe in depth a "bad person" reveals their problems and conflicts, no justification or redemption, only consideration that everyone has a life. The aforementioned interconnected story is where Ino best demonstrates her learning, each point of view contributes from the consideration of her character to show that even a random event is built from the experience of different people, with their conflicts and expectations, contributing to each other with the mere contact. Asano's optimism is also generalized in each chapter, regardless of the situation in which he finds himself, the hope for a better future is what always persists. Because even at the end of the world, it is also interesting the persistence of an apocalypse in his works, we should hope that the next day will be better than the current one. If there is an apparently dissonant element it is the curious first chapter, each pair of vignettes composes a mini-story of every imaginable nature, in the depths of the night life goes on for those who are awake. It is an excellent introduction to the composition that despite getting rid of the supernatural elements, explores its atmosphere of everyday life and coexistence. The constant improvement in Asano's drawing is in the sense of framing in the decisive moments of the narrative, of wide scenarios that amplify the experiences of the characters, as well as in the most everyday situations, experimenting with angles and shots that he had not used before, or delimiting the rhythm in different ways. I especially like when he mixes the everyday and the supernatural in the same vignette, already present in his previous works, but for the normal essence of this anthology, the combination of the common with the representative stands out even more. I consider this anthology his first great work, all the points he was developing until then reached the state he aspired to be in narrative, consistency or drawing. It's qualifiable, for anyone, that each work is only a step until the next, and that surely the consecutive ones may return to ideas and forms presented here, but that does not diminish the value of his anthology, on the contrary, it will become more remarkable by itself and for reference of what is to come.
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Apr 5, 2024
Hikari no Machi
(Manga)
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La siguiente reseña está en Español e Inglés (traducida con el apoyo de DeepL)
La versión leída es la traducción al español por Kay perteneciente a "Clockwise Fansub" “La Ciudad de la Luz” es el título y a la vez el nombre del entorno donde se desarrolla los sucesos de está corta antología, sobre una urbanización encima de una colina, con altos edificios de apartamentos y algunas casas en los alrededores; diferentes personajes tendrán sus historias y unas cuántas se interconectan. Un compendio más cercano a su primera antología, utilizando algunas lecciones del segundo. Notable en la presentación de personajes más moralmente grises sin ser caricaturescos, quien fuera ... villano en un momento, capítulos después es profundizado, y no es por algún intento de redención o justificación sino porque es demostración de una idea inherente en la obra, cada quien es producto del ambiente donde se desarrolla, y es que, el escenario es un personaje en sí mismo. La urbanización encierra constantemente a los personajes durante los diferentes capítulos, difiere del “entorno conocido”, es más acertado decir que corresponde a una “atmósfera reconocible”. Sea cual sea la historia, los personajes están rodeados de altas edificaciones que deberían aguardar a cientos de personas, sin embargo, las calles se sienten vacías, la palpable soledad de concreto en la ausencia de una comunidad, y por el contrario, donde ocurren los momentos de mayor humanidad es en las casas del alrededor, con espacios más abiertos para un sol que puede cubrir el escenario sin que algo se interponga. La caracterización de cada escenario y el contraste entre ambos es motivación para un par de las narraciones, en otras es reflejo para las introspecciones sobre la aparente “vida” de los personajes. En cuánto a las diferentes historias, si bien cada cuál tiene su punto de interés, tal como dije en la reseña de su primer trabajo, aún carece de consistencia, notable en que conforme se alarga un suceso más inconexo es. A lo largo de cada narrativa es constante el característico pesimismo de Asano, sin embargo, tiene significado porque está vez no deja aparte ni para último momento a la “luz en la oscuridad”, es decir, corresponder a cómo aún en situaciones tan inescapables y desafortunadas, puede iluminar la esperanza de un cambio. En este punto de la revisión de su obra y sabiendo lo próximo, calificar de característico su pesimismo debería estar a la par de su optimismo. Lo que siempre mejora trabajo tras trabajo es su habilidad de dibujante. En el compendio está subrayada la idea de luces y sombras, el dibujo corresponde al planteamiento temático, un marcado juego de iluminación notable en las diferencias entre el opresivo entorno citadino a comparación de los suburbios o cuándo el cielo está despejado en medio de los edificios, la habilidad de Asano en crear impactantes paneles con la acción de alguien para que parezcan tener significado en ese momento para los personajes, o por supuesto, el detalle en presentación y alcance de la ciudad. En general, la antología es un paso adelante en su visión de autor, una historia algo interconectada en la que ningún personaje se siente gratuito en un escenario que tiene significado por sí mismo, pero varios de los sucesos y su intencionalidad siguen sin consolidarse, dando una obra que aún está a camino de conseguir la consistencia que ha buscado durante ese último par de años. English "The City of Light" is the title and at the same time the name of the setting where the events of this short anthology take place, about a housing development on top of a hill, with tall apartment buildings and some houses in the surroundings; different characters will have their stories and a few of them are interconnected. A compendium closer to his first anthology, using some lessons from the second. Remarkable in the presentation of characters more morally gray without being caricatures, who was a villain at one point, chapters later is deepened, and it is not for some attempt at redemption or justification but because it is a demonstration of an inherent idea in the work, everyone is a product of the environment where it develops, and is that, the scenario is a character in itself. The urbanization constantly encloses the characters during the different chapters, it differs from the "known environment", it is more accurate to say that it corresponds to a "recognizable atmosphere". Whatever the story, the characters are surrounded by tall buildings that should await hundreds of people, however, the streets feel empty, the palpable loneliness of concrete in the absence of a community, and on the contrary, where the moments of greater humanity occur is in the surrounding houses, with more open spaces for a sun that can cover the stage without something getting in the way. The characterization of each setting and the contrast between the two is motivation for a couple of the narratives, in others it is reflection for the introspections on the apparent "life" of the characters. As for the different stories, while each one has its point of interest, as I said in the review of his first work, it still lacks consistency, noticeable in that the longer an event drags on, the more disjointed it becomes. Throughout each narrative Asano's characteristic pessimism is constant, however, it has meaning because this time he does not leave aside even for the last moment the "light in the darkness", that is, corresponding to how even in such inescapable and unfortunate situations, he can illuminate the hope of a change. At this point in the review of his work and knowing what is forthcoming, qualifying his pessimism as characteristic should be on a par with his optimism. What always improves work after work is his skill as a draftsman. In the compendium the idea of lights and shadows is underlined, the drawing corresponds to the thematic approach, a marked game of lighting notable in the differences between the oppressive city environment compared to the suburbs or when the sky is clear in the middle of the buildings, Asano's ability to create striking panels with someone's action so that they seem to have meaning at that moment for the characters, or of course, the detail in presentation and scope of the city. Overall, the anthology is a step forward in his authorial vision, a somewhat interconnected story in which no character feels gratuitous in a scenario that has meaning on its own, but several of the events and their intentionality remain unconsolidated, yielding a work that is still on its way to achieving the consistency he has sought over those last couple of years.
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Mar 22, 2024 Recommended Spoiler
La siguiente reseña está en Español e Inglés (traducida con el apoyo de DeepL)
La versión leída es la traducción al inglés por RallyT perteneciente a "CiRE’s Mangas" Esta es mi primera reseña de un manga hentai, tengo planificado escribirlas de forma esporádica cada par de meses. Y por ser la inicial, quiero dictaminar cuál es mi enfoque respecto a las mismas, porque contrario al manga tradicional donde no me limito a género ni temas, la mayoría del hentai tiene de principal objetivo el disfrute del espectador por medio del dibujo y narrativa del artista de una forma más íntima, sea porque comparten interés por la situación ... o en los fetiches específicos que tiene con su público; aceptando a la ficción por ficción y que en la lectura nos trasladamos al terreno de la fantasía, donde no correspondemos a una estructura social ni ideología, únicamente a los deseos pertenecientes a la imaginación. Lo anterior es meramente una justificación para “me gusta lo que me gusta y leo de lo que me gusta”, soy un hombre heteresexual, lo que dictamina los mangas en mi interés de lectura y a los que realizaré reseña. Aunque subrayando, no serán frecuentes las “reseñas hentai” y por el momento, son de mangas que he leído hace bastante y considero merecen una reseña. Aclaración: Debido a las Guidelines de Anilist no incluiré imágenes explícitas para justificar los apuntes específicos que realice en la sección de dibujo, aliento a que leas por tu cuenta para reconocer si es válida o no mi observación. Precisamente, he decidido comenzar por una de las obras más reconocidas de Yamatogawa, uno de los primeros artistas en tener traducciones licenciadas al inglés y español en varios de sus trabajos. Y no sorprende, su trabajo es factiblemente comercializable al gran público, siendo en su mayoría antologías de parejas colegiales quienes están viviendo su primer amor o que están en la “primavera de la juventud”, aunque hay un par de “trabajos narrativos” más guiados hacia fetiches específicos (aún al alcance del gran público). Tayu Tayu es un caso particular, puede considerarse un término medio entre ambos enfoques. La historia es sobre Reiji quien regresa durante las vacaciones de verano a su pueblo natal después de ocho años, donde se reencontrará con las hermanas Shiho y Midori, sus amigas de la infancia. En principio, da la apariencia de ser un planteamiento de triángulo amoroso y así corresponde durante los primeros capítulos, sin embargo, termina siendo un harem al ser agregadas todas las otras chicas de la escuela (lo cuál serían otras 3, la crisis del colegio rural japonés). En principio, la historia de triángulo romántico funciona muy bien dada la efectiva caracterización de Shiho y Midori, debido a que el autor las diferencia al asignarles arquetipos completamente diferentes, Shiho es silenciosa y dominante mientras que Midori es expresiva y atrevida. Reiji como protagonista no es tan palurdo a comparación de similares, lo que no quita que sea plenamente débil ante la mínima tentación. La receta perfecta para malentendidos entre las partes, aunque teniendo una línea definida, el mutuo interés de Midori y Reiji, con una Shiho que no tiene escrúpulos en inmiscuirse. La obra tiene un sentido del humor común en los trabajos de Yamatogawa, lo cuál aligera la severidad de la situación, además de que la cercana relación entre las hermanas daba para que la situación quedase tal como estaba con la complicidad de todos los involucrados. Y entonces las otras chicas entran al ruedo. El mayor detrimento es la construcción del triángulo amoroso y de ahí la narrativa que tuviese hasta el momento la historia, no desaparece completamente, de hecho sigue presente en la figura de Midori como una enamorada lastimada y apartada, resuelto por el humor mencionado y que Reiji pueda ser directo y galán cuando se lo proponga. Pero queda la impresión sobre cómo podría haber sido otro trabajo más consistente de haber tenido menos elementos, en especial porque ninguna de las otras chicas la considero igual de memorable en su caracterización como las hermanas. Eso sí, toda la situación encaja en la atmósfera nostálgica de la obra, recuerdos de un verano distante, además reforzado por diferentes apuntes durante la historia. Pero el principal contribuyente es el gran dibujo, teniendo en varios paneles dedicación a mostrar el pueblo y su característica soledad rural. Por supuesto, la especialización del dibujo va hacia el sexo, primero debo destacar su composición porque aún cuándo hay bastantes personas, se posicionan los elementos para entender que está sucediendo a la par de centrarse en la acción más importante del momento, y de estar ocurriendo más de un encuentro a la vez, lo distribuye limpiante en la hoja para que el lector lo disfrute a plenitud. También hay un buen diseño de personajes, empezando por las hermanas donde hace juego con sus personalidades, Midori parecida a una sociable gal y Shiho a una silenciosa belleza. El autor tiene preferencia por los pechos grandes, que destacan sea en una escena cualquiera donde se siente el “peso” en el dibujo o en los paneles dedicados a enaltecer la “acción”, en los que utiliza otros ángulos y acapara todo el panel, especial mención a su gran trabajo en la expresión facial de las chicas. La dedicación a cada escena es otra genialidad, no va directamente a la penetración, existe el juego previo y la construcción de expectativas lo que la vuelve más vinculante y placentera, potenciado cuándo son más de dos personas en el encuentro porque sabe dividir la presentación entre lo realizan los demás y lo que sucede en la pareja principal, todo en una cuantiosa (y agradecible) cantidad de paneles. Y es que aún fuera de las escenas sexuales, Yamatogawa tiene notable habilidad para el posicionamiento de los personajes en un diálogo natural, de construir una historia, especialmente notable en los primeros capítulos o hacia el final en el festival del pueblo. Podría saltar al “terreno mainstream” sin esfuerzo alguno (el divertido capítulo extra de la profesora lo reafirma). Podría haber sido mejor en su enfoque nostálgico de haberse dedicado sólo al triángulo amoroso donde llegará a la misma conclusión acerca de confrontar sentimientos y expectativas, pero tampoco es bajo ningún término un desperdicio o pérdida. El dibujo de Yamatogawa es una genialidad y su sentido de la composición aseguran el pleno disfrute, y la historia es cumplidora para dejarte llevar en lo necesario. English This is my first review of a hentai manga, I plan to write them sporadically every couple of months. And for being the first, I want to dictate what is my approach to them, because contrary to traditional manga where I do not limit myself to genre or themes, most hentai has as main objective the enjoyment of the viewer through the drawing and narrative of the artist in a more intimate way, either because they share interest in the situation or in the specific fetishes they have with their audience; accepting fiction for fiction and that in reading we move to the realm of fantasy, where we do not correspond to a social structure or ideology, only to the desires belonging to the imagination. The above is merely a justification for "I like what I like and I read what I like", I am a heteresexual man, which dictates the manga in my reading interest and which I will review. Although underlining, "hentai reviews" will not be frequent and for the moment, they are of manga that I have read quite a while ago and I consider deserve a review. Clarification: Due to Anilist's Guidelines I will not include explicit images to justify the specific notes I made in the drawing section, I encourage you to read on your own to recognize if my observation is valid or not. Precisely, I have decided to start with one of Yamatogawa's most recognized works, one of the first artists to have licensed translations into English and Spanish in several of his works. And not surprisingly, his work is feasibly marketable to the general public, being mostly anthologies of teenagers couples who are living their first love or who are in the "spring of youth", although there are a couple of "narrative works" more oriented towards specific fetishes (still within the reach of the general public). Tayu Tayu is a particular case, it can be considered a middle ground between both approaches. The story is about Reiji who returns during the summer vacations to his hometown after eight years, where he will be reunited with the sisters Shiho and Midori, his childhood friends. At first, it gives the appearance of being a love triangle approach and so it corresponds during the first chapters, however, it ends up being a harem when all the other girls of the school are added (which would be another 3, the crisis of the Japanese rural school). In principle, the romantic triangle story works very well given the effective characterization of Shiho and Midori, because the author differentiates them by assigning them completely different archetypes, Shiho is silent and dominant while Midori is expressive and daring. Reiji as a protagonist is not so redneck compared to similar ones, which does not detract from the fact that he is fully weak at the slightest temptation. The perfect recipe for misunderstandings between the parties, though having a definite line, the mutual interest of Midori and Reiji, with a Shiho who has no scruples about meddling. The manga has a sense of humor common in Yamatogawa's works, which lightens the severity of the situation, plus the close relationship between the sisters allowed the situation to remain as it was with the complicity of all involved. And then the other girls enter to the plot. The biggest detriment is the construction of the love triangle and hence the narrative that had so far the story, does not disappear completely, in fact it is still present in the figure of Midori as a hurt and estranged lover, resolved by the humor mentioned and that Reiji can be direct and gallant when he proposes. But the impression remains of how it could have been another more consistent work had it had fewer elements, especially since none of the other girls I consider equally memorable in their characterization as the sisters. Of course, the whole situation fits in the nostalgic atmosphere of the work, memories of a distant summer, further reinforced by different notes during the story. But the main contributor is the great drawing, having in several panels dedication to show the village and its characteristic rural solitude. Of course, the specialization of the drawing goes towards sex, first I must highlight its composition because even when there are many people, the elements are positioned to understand what is happening while focusing on the most important action of the moment, and if more than one encounter is happening at a time, it distributes it cleanly on the page for the reader to enjoy it to the fullest. There is also good character design, starting with the sisters where it matches their personalities, Midori resembling a sociable gal and Shiho a silent beauty. The author has a preference for large breasts, which stand out either in any scene where you feel the "weight" in the drawing or in the panels dedicated to exalt the "action", where he uses other angles and monopolizes the entire panel, special mention to his great work in the facial expression of the girls. The dedication to each scene is another genius, it does not go directly to the penetration, there is the foreplay and the building of expectations which makes it more binding and enjoyable, enhanced when there are more than two people in the encounter because it knows how to divide the presentation between what the others do and what happens in the main couple, all in a large (and grateful) number of panels. And even outside of the sexual scenes, Yamatogawa has a remarkable ability to position the characters in a natural dialogue, to build a story, especially noticeable in the first chapters or towards the end at the village festival. It could jump into "mainstream territory" effortlessly (the amusing extra chapter of the teacher reaffirms this). It could have been better in its nostalgic approach had it been devoted only to the love triangle where it will come to the same conclusion about confronting feelings and expectations, but neither is it under any terms a waste or loss. Yamatogawa's drawing is genius and his sense of composition ensures full enjoyment, and the story is accomplished enough to let you get carried away as needed.
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Mar 8, 2024
Nijigahara Holograph
(Manga)
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Not Recommended
La siguiente reseña está en Español e Inglés (traducida con el apoyo de DeepL)
La versión leída es la traducción al español por Milky Way Ediciones “La muerte de una inocente afectará a sus seres cercanos por el resto de sus vidas” es una sencilla sinopsis del segundo trabajo de Inio Asano. Usualmente descrito como un rompecabezas donde sólo la constante relectura nos brinda algo de claridad en entender qué ocurrió, por qué sucedió y qué terminó implicando para los involucrados. Es una estructura similar a su anterior obra, se diferencia en que no hay narrador único sino que es un grupo cerrado de personajes, cambiando de narrador ... entre capítulos y dentro del mismo episodio. Siendo un trabajo más complejo en términos de presentación de narrativa y también en simbología. Elementos surreales y representativos se entremezclan a plenitud con la trama, consiguiendo un realismo mágico invasivo y sofocante, teniendo de principal metáfora a la mariposa, de la que he encontrado complejas explicaciones asociadas al taoísmo (de donde afirman está la inspiración de la obra) y otros con significados más universales como la típica mariposa del destino, representado que un sólo hecho puede afectar de inesperadas formas. Entre ambas prefiero la segunda, sencilla y puede que inintencionada, pero me gusta cómo encaja con el núcleo de la obra, donde todos los personajes tienen de intersección al mismo suceso. Sin embargo, más no es necesariamente mejor. La obra tiene una complejidad “peligrosa” ¿En qué punto termina su análisis y comienza su sobrepensamiento? Pregunta cuya respuesta depende únicamente de cada quién, en mi caso, una vez finalizada decidí releer para consolidar mi opinión y así comparar con otros en reseñas y foros; conforme leía se formaba una inesperada conclusión…no valió la pena dedicar tanto esfuerzo. Si unes las piezas sea por tu cuenta o por el análisis de otra persona, llegas a un mensaje sobre la vida y el valor de vivirla, es cierto que tiene unas cuántas lecciones e implicaciones tangentes que puedes obtener de las vivencias de ciertos personajes, pero su núcleo sigue siendo su mensaje humanista. Y sin duda es un mensaje válido, sino fuera porque Asano escribía a la par el mismo enfoque en Subarashii Sekai sin necesidad del complejo planteamiento ni su desbordante pesimismo. Y podríamos verlo como una reafirmación del mensaje en el escenario “aún en la profunda oscuridad del mundo hay un rayo de esperanza”, de no ser que el realismo de Asano dio un paso para mal. La complejidad de los personajes tiene un efecto contrario en varios paneles y conversaciones, en un intento de parecer fríos, inesperados y crueles son casi una parodia de eso que quieren llegar a ser. No es que los hechos sean imposibles de ocurrir, es la irrealidad de convencer por sus personajes aburridos en intento de ser creíbles. ¿Hay valor en la telaraña por ser una telaraña? Como ejercicio experimental, por supuesto, nuevamente, este es el segundo manga serializado de Inio Asano, aún estaba probando ideas de narración, presentación y metáfora, además debo destacar su notable mejora en el dibujo, la composición y simbología, la última aún siendo algo extenuante, es crucial para dotar el carácter surrealista a la historia. Pero, reiterando, mi auténtico inconveniente es que aún invirtiendo en su comprensión, llegaré a los mismos términos que varios de sus capítulos de la anterior antología, en los que además, su mensaje de esperanza no aparecía de sopetón. English "The death of an innocent will affect those close to her for the rest of their lives" is a simple synopsis of Inio Asano's second work. Usually described as a puzzle where only constant re-reading gives us some clarity in understanding what happened, why it happened and what it ended up implying for those involved. It’s a similar structure to his previous work, it differs in that there is no single narrator but a closed group of characters, changing narrator between chapters and within the same episode. It is a more complex work in terms of narrative presentation and also in symbology. Surreal and representative elements are fully intermingled with the plot, achieving an invasive and suffocating magical realism, having as main metaphor the butterfly, of which I have found complex explanations associated with Taoism (where they say is the inspiration of the work) and others with more universal meanings as the typical butterfly of destiny, represented that a single fact can affect in unexpected ways. Between the two I prefer the second, simple and perhaps unintentional, but I like how it fits with the core of the work, where all the characters have the same event as an intersection. However, more is not necessarily better. The manga has a "dangerous" complexity. At what point does your analysis end and your overthinking begin? Question whose answer depends solely on each person, in my case, once finished I decided to reread to consolidate my opinion and thus compare with others in reviews and forums; as I read, an unexpected conclusion was formed...it was not worth the effort. If you put the pieces together either on your own or through someone else's analysis, you arrive at a message about life and the value of living it, it’s true that it has a few tangential lessons and implications that you can get from the experiences of certain characters, but it’s core remains the humanistic message. And it’s undoubtedly a valid message, were it not for the fact that Asano wrote the same approach in Subarashii Sekai without the need for the complex approach or his overflowing pessimism. And we could see it as a reaffirmation of the message in the "even in the deep darkness of the world there is a glimmer of hope" scenario, were it not that Asano's realism took a step for the worse. The complexity of the characters has the opposite effect in several panels and conversations, in an attempt to appear cold, unexpected and cruel, they are almost a parody of what they want to transmit. It's not that the events are impossible to happen, it's the unreality of convincing by their dull characters in an attempt to be believable. Is there value in the spider web for being a spider web? As an experimental exercise, of course, again, this is Inio Asano's second regular manga, he was still trying out ideas of narrative, presentation and metaphor, plus I must highlight his remarkable improvement in drawing, composition and symbology, the latter still being somewhat strenuous, is crucial to endow the surreal character to the story. But, to reiterate, my real drawback is that even if I invest in its comprehension, I will arrive at the same terms as several of his chapters in the previous anthology, in which, in addition, his message of hope did not appear out of the blue.
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Mar 1, 2024
Subarashii Sekai
(Manga)
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La versión leída es la traducción al español por Robelais Español Es una antología de historias, cada capítulo tiene un protagonista en una situación específica, uno que otro aparecerá en otra historia como personaje secundario. Si bien cada situación es única, el carácter del compendio se puede generalizar, son las vivencias cotidianas de personas cualquiera, con cada quién enfrentando a su manera las circunstancias tan comunes que le suceden. Sea una relación de pareja, familiar o amistad, el inevitable proceso de crecimiento o la convivencia en tu ambiente; ninguno de los protagonistas está en un ... buen punto al comienzo ni necesariamente lo estará al final, más es subrayada la idea de cómo podría llegar a estarlo, citando al mismo manga “mientras vivas, algo bueno te pasará”. Subarashii Sekai es el primer trabajo serializado de Inio Asano, de ahí que la calidad de las historias es notablemente irregular, en algunas su mensaje será plenamente transmitido a nivel narrativo y artístico, en otras es difusa la disposición de los elementos. Entiendo lo tentador de atribuir esas lagunas narrativas al autor en la línea de “invita pensar al lector” pero teniendo en consideración que corresponde a un trabajo casi “de debut”, factiblemente se debe es a un joven mangaka en proceso de entender que quería realizar y cómo. En está antología están las semillas de varias de ideas, temáticas y estilos que le conseguiría su reconocimiento, sea un capítulo casi prototipo de Solanin, su humor irónico, la percepción de que cada personaje secundario está lidiando con sus respectivos problemas o las pinceladas de pesimismo entremezcladas con sinceridad y esperanza. Tampoco quiero implicar que su valor sea únicamente histórico o comparativo, sin duda hay genialidad, tal como he mencionado, varios de los capítulos transmiten su mensaje de positivismo frente al devenir siempre y cuándo estemos dispuesto a cambiar en favor del mismo, consiguiendo que en pocas páginas sintamos empatía por el protagonista y valoremos su lección. Donde lo consigue (en general) es en las historias menos “oscuras”, de adolescentes intentando ser adultos sin saber cómo. La cotidianidad del manga tiene una excepción, hay contados elementos fantásticos en la narrativa que no llaman la atención sobre sí mismos, al contrario, se entremezclan con la normalidad del resto del mundo, consiguiendo plasmar un rudimentario realismo mágico. Su inclusión conseguirá varios de los mejores momentos y paneles del manga, sin embargo, similar al resto de los elementos, son un punto de partida a ser perfeccionado en futuras historias. Respecto al apartado artístico, Asano en sus veintitrés años ya exhibía una notable habilidad para la composición, donde utiliza el posicionamiento de los personajes y el ritmo del panel para implicar interesantes reflexiones. Particularmente, me han gustado los sentimientos implícitos en su manejo de las miradas como también en lo expresivo de las emociones en su estado puro, ambos consiguen dotar de corazón a las historias. He leído bastantes reseñas de la obra, varias encuentran diferentes reflexiones de diversa complejidad en lo social y filósofo, considero que la mayoría se realiza en retrospectiva, es decir, atribuyendo al Asano que un día será en vez del Asano que fue; y no debería ser el caso. La mejor forma de corresponder a la antología es ver y reflexionar en los elementos tan sólidos que tiene, a la par que reconoces el proceso de descubrimiento que tenía su autor consigo mismo. English It is an anthology of stories, each chapter has a protagonist in a specific situation, some of them will appear in another story as a secondary character. Although each situation is unique, the character of the compendium can be generalized, these are the daily experiences of any person, with each one facing in their own way the common circumstances that happen to them. Whether it is a relationship, family or friendship, the inevitable process of growing up or living in your environment; none of the protagonists is in a good place at the beginning or necessarily will be at the end, but the idea of how it could become so is underlined, quoting the same manga "as long as you live, something good will happen to you". Subarashii Sekai is Inio Asano's first serialized work, hence the quality of the stories is notably irregular, in some his message will be fully conveyed at the narrative and artistic level, in others the arrangement of the elements is diffuse. I understand how tempting it’s to attribute these narrative gaps to the author in the line of "inviting the reader to think", but considering that it corresponds to an almost "debut" work, it is probably due to a young mangaka in the process of understanding what he wanted to do and how. In this anthology are the seeds of several of the ideas, themes and styles that would get him his recognition, be it an almost chapter prototypical to Solanin, his ironic humor, the perception that each secondary character is dealing with their respective problems or the touches of pessimism intermingled with sincerity and hope. Nor do I want to imply that its value is only historical or comparative, there is undoubtedly genius, as I mentioned, several of the chapters convey its message of positivism in the face of the future as long as we are willing to change in favor of it, getting us to feel empathy for the protagonist in a few pages and value his lesson. Where it succeeds (in general) is in the less "dark" stories, of teenagers trying to become adults without knowing how. The everydayness of the manga has an exception, there are a few fantastic elements in the narrative that do not draw attention to themselves, on the contrary, they are intermingled with the normality of the rest of the world, managing to capture a rudimentary magical realism. Their inclusion will achieve several of the manga's best moments and panels, however, similar to the rest of the elements, they are a starting point to be improved in future stories. Regarding the artistic section, Asano in his twenty-three years already exhibited a remarkable ability for composition, where he uses the positioning of the characters and the rhythm of the panel to imply interesting reflections. Particularly, I liked the feelings implied in his handling of the looks as well as the expressiveness of the emotions in their pure state, both of which manage to endow the stories with heart. I have read quite a few reviews of the work, several find different reflections of varying complexity in the social and philosophical, I consider that most are made in retrospect, that is, attributing to the Asano that one day will be instead of the Asano that was; and it should not be the case. The best way to correspond to the anthology is to see and reflect on the very solid elements it has, while recognizing the process of discovery that its author had with himself.
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Feb 23, 2024
Kozure Ookami
(Manga)
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La versión leída es la traducción al español por Riki_Oh Español La historia se desarrolla durante el Japón feudal, de señores y samurais, no se brinda una fecha específica, más podemos suponer que sucede entre 1700 - 1800 dada la posición de Itto (Kogi Kaishakunin) o la evolución en la presencia de elementos característicos del intercambio cultural europeo (las armas de fuego), aunque otros prominentes aspectos como el clan Yagyu tuvieron su relevancia durante 1500 - 1600, por ende, recalcando lo evidente, es ficción que utiliza elementos históricos para dotar de “realismo” a su ... narrativa. Estructurado en formato serial, con un hilo principal narrativo presente cada cierto tiempo en capítulos dedicados a lo más esencial del viaje de venganza de padre e hijo hasta que acaparan la recta final. Mientras que las historias seriales tienen el propósito de afianzar la construcción de su contexto histórico en lo social o espiritual, además de contener elementos narrativos que serán de importancia para la venganza. Durante los capítulos episódicos se exploran las diferentes facetas de Edo, haciendo notable la extensa investigación conseguida por su autor, Kazuo Koike, para la representación de una época de completo interés si alguna vez te ha sido atractivo el “Japón clásico”. En esas historias secundarias hay magos, comerciantes, prostitutas, los antecedentes de la yakuza, agricultores, criadores de aves, monjes, pescadores, ninjas, o por supuesto, samurais y ronins. Por medio de todo tipo de situaciones conoceremos algún desconocido sector de la antigua sociedad, cada una teniendo en común la misma temática en cuánto a su estructura, la venganza. No sólo el dúo protagónico está en su viaje de venganza, en la mayoría de situaciones las personas con quienes se topan tienen su propia venganza. De ahí que sea una travesía hostil y violenta, la brújula moral no está demarcada sobre la construcción occidental de valores como el perdón o amor, prima el honor y el deber provenientes (mayormente) del confusionismo japonés, denominado “Bushido”. De hecho, varios capítulos están dedicados a ser una reflexión filosófica y espiritual acerca del camino del guerrero y la ruta de venganza de padre e hijo. No soy lo suficientemente conocedor en religión oriental para afirmar que lo he entendido por completo o cercano, más tampoco me parece correspondiente calificarlas de inentendibles o pretenciosas. Su presencia en la historia es fundamental, aún si no entiendes completamente lo implicado, si captas la solemnidad de lo descrito. Para los personajes secundarios que participan durante cada trama episódica se utiliza lo necesario en lo justo para entender las capas que les conforman, el realismo también es conseguido por caracterizarlos como tal, de personajes y no únicamente excusas para el enfrentamiento episódico. Siempre se entiende por qué sucede la venganza y en que afecta a sus involucrados, ni tampoco hay una visión pesimista o detrimento de quiénes vivieron en la época, las historias se permiten, de vez en cuándo, atisbos del amor, cariño, piedad y lealtad, el lado amable de la humanidad. En conjunto, cada capítulo es tratado con tacto y dedicación, convirtiendo lo sucedido en creíble. Y es importante ese realismo en lo humano para contrarrestar el desarrollo de lo espectacular, específicamente, Itto es tan buen guerrero que podría afectar el interés en las peleas debido a la falta de peligro y riesgo. Una de las formas para evitar el desgaste del lector frente a las frecuentes peleas, es la amplia versatilidad en cuánto al enfrentamiento y cómo sucede. Katanas de todos los tamaños, variedad de lanzas, o las armas especiales de Ninjas y autoridades; en la versión que leí se incluyen extensos comentarios sobre las armas utilizadas, la forma en que eran usadas y quienes las empuñaban. Durante la travesía hay un ambiente generalizado de decaimiento, pérdida de los valores tradicionales y temor al futuro, si bien su principal propósito (posiblemente) sea caracterizar todavía más la rectitud y costumbrismo de Itto, al haber tanto realismo involucrado en la construcción de su mundo puede que una de las consecuencias inesperadas es la proliferación del típico pensamiento “todo tiempo pasado era mejor”. Sea o no intención del autor, me gusta que, sin importar la época, las personas siguen siendo personas. Los mejores ejemplos son el trío protagónico, Itto con su actitud seria e ideales inquebrantables está en línea con el propósito de la historia, llamado por varios personajes “el último samurai”, alguien quien respeta las lecciones del Bushido a cada momento y acción hasta donde se lo permite su propio camino de venganza. Tener un carácter inquebrantable e inspirador también es una forma de complejidad y realismo, justificando su constante fuerza a lo largo del manga. Diagoro es meramente un niño, su evolución es de madurez a temprana edad, imitando y luego asumiendo los ideales que observa en su padre, llegando a participar en varios de los esquemas de asesinato. La representación de la inocencia perdida de quienes son obligados a vivir en un entorno hostil, a la par de como aún puede haber rectitud e integridad entre los que crecen en medio de la violencia. Sin embargo, mi personaje favorito es el villano, Retsudo Yagyu, la cabeza de la familia “Yagyu”, el único culpable detrás de una tragedia que se convierte en ríos de sangre. No, nunca hay una justificación de su actuar que podría considerarse de correcta o rectificadora para estándares modernos, plenamente es egoísmo y hambre de poder, pero me resulta imposible de odiar o detestar, tal como Itto, podríamos considerarlo, irónicamente, una de las personas más “correctas” sea por sus ideales, el inquebrantable carácter, la inacabable persistencia, el respeto y odio que podrías llegar a tener por tu peor adversario. Para corresponder a los elementos tan sólidos de su narración, es necesaria la visión gráfica para representarlo, dibujado por Goseki Kojima, no es exageración calificarlo como uno de los mangas mejor dibujados, todavía más si pensamos en la época en que fue publicado. Bien suele mencionarse que los caballos representan uno de los mayores retos para un artista, en Kozure Ookami abundan los caballos. Desde páginas completas donde se nota la energía y fuerza de sus movimientos, en doble página en las que suelen estar varios o presentes en medio de las emocionantes batallas. Las mismas batallas tienen una enorme complejidad en su trazo, los personajes y sus movimientos, la fiereza de los cortes y fuerza de los golpes, en una cuidada maquetación, dedicada a sentar la tensión del enfrentamiento. Varios de mis paneles favoritos son los que narran a diferentes niveles lo que está sucediendo y lo que podría suceder, utilizando las miradas y sombras. Y cuándo no está en la acción hay dedicación a la representación mundana de la sociedad en sus pequeñas acciones, sea comer un pequeño postre en la calle o cruzar un río, en las mismas también se presentan diferentes escenarios japoneses que recuerdan a los clásicos de Ukiyo-e. Es un trabajo visual donde cada parte es admirable, y en conjunto, es impresionante. Mencionando un poco su trascendencia porque la considero relevante dada su importancia histórica, ejerció un impacto en el género (para varios es la máxima obra de samurais), extendiéndose todavía más gracias a las adaptaciones Live Action. También es bastante reconocido en occidente porque populariza (y considerada como origen) del tropo “hombre rudo en viaje con un niño” presente en diferentes medios y formas sean en el cómic (Road to Perdition), videojuego (The Last of Us) o el cine (Logan). Entendería porque alguien al terminarlo no quedaría igual de impresionado o impactado como fue en mi caso, porque no hay una marcada empatía o vinculación con los personajes dado lo sólido de su carácter y áspero del camino, sin embargo, quienes lo piensen en su totalidad y en el valor de sus partes, reconocerán a una obra admirable. Al violento viaje de padre e hijo para cobrar venganza de la vida que les fue robada. English (Translated with DeepL.com (free version)) The story takes place during feudal Japan, of lords and samurai, no specific date is given, but we can assume that it happens between 1700 - 1800 given the position of Itto (Kogi Kaishakunin) or the evolution in the presence of elements characteristic of European cultural exchange (firearms), although other prominent aspects such as the Yagyu clan had its relevance during 1500 - 1600, therefore, emphasizing the obvious, it is fiction that uses historical elements to provide "realism" to its narrative. Structured in serial format, with a main narrative thread present from time to time in chapters dedicated to the essentials of the father and son's journey of revenge until the final stretch. While the serial stories have the purpose of strengthening the construction of its historical context in the social or spiritual, in addition to containing narrative elements that will be important for revenge. During the episodic chapters the different facets of Edo are explored, making remarkable the extensive research achieved by its author, Kazuo Koike, for the representation of an era of complete interest if you have ever been attracted to "classical Japan". In these side stories there are magicians, merchants, prostitutes, the background of the yakuza, farmers, poultry breeders, monks, fishermen, ninjas, or, of course, samurais and ronins. Through all kinds of situations we will get to know some unknown sector of the ancient society, each having in common the same theme in terms of its structure, revenge. Not only the protagonic duo is on their journey of revenge, in most situations the people they encounter have their own revenge. Hence it is a hostile and violent journey, the moral compass is not demarcated on the western construction of values such as forgiveness or love, honor and duty (mostly) coming from the Japanese confusionism, called "Bushido". In fact, several chapters are devoted to a philosophical and spiritual reflection on the warrior's path and the father and son's path of revenge. I am not knowledgeable enough in Eastern religion to say that I understood it completely or even close to it, but I don't think it's appropriate to call them unintelligible or pretentious either. Their presence in the story is fundamental, even if you don't fully understand what is implied, you grasp the solemnity of what is described. For the secondary characters that participate during each episodic plot is used just enough to understand the layers that make them up, realism is also achieved by characterizing them as characters and not just excuses for the episodic confrontation. It is always understood why revenge happens and how it affects those involved, nor is there a pessimistic view or detriment to those who lived in the era, the stories have, from time to time, glimpses of love, affection, pity and loyalty, the kind side of humanity. Overall, each chapter is treated with tact and dedication, making what happened believable. And it is important that realism in the human part to counteract the development of the spectacular, specifically, Itto is such a good warrior that it could affect the interest in the fights due to the lack of danger and risk. One of the ways to avoid reader burnout because or the frequent fights is the wide versatility in how the fighting happens and how it happens. Katanas of all sizes, a variety of spears, or the special weapons of Ninjas and authorities; the version I read includes extensive commentary on the weapons used, how they were used and who wielded them. During the journey there is a generalized atmosphere of decay, loss of traditional values and fear of the future, although its main purpose (possibly) is to further characterize Itto's rectitude and custom, since there is so much realism involved in the construction of his world, perhaps one of the unexpected consequences is the proliferation of the typical thought "all times past were better". Whether or not the author intended it or not, I like that, regardless of the era, people are still people. The best examples are the protagonist trio, Itto with his serious attitude and unwavering ideals is in line with the purpose of the story, called by several characters "the last samurai", someone who respects the lessons of Bushido at every moment and action as far as his own path of revenge allows. Having an unwavering and inspiring character is also a form of complexity and realism, justifying his constant strength throughout the manga. Diagoro is merely a child, his evolution is one of maturity at an early age, imitating and then taking on the ideals he observes in his father, eventually participating in several of the assassination schemes. The representation of the lost innocence of those forced to live in a hostile environment, as well as how there can still be righteousness and integrity among those who grow up in the midst of violence. However, my favorite character is the villain, Retsudo Yagyu, the head of the "Yagyu" family, the sole culprit behind a tragedy that turns into rivers of blood. No, there is never a justification for his actions that could be considered correct or rectifying by modern standards, fully selfishness and hunger for power, but I find it impossible to hate or detest him, just like Itto, we could consider him, ironically, one of the most "correct" people either for his ideals, the unbreakable character, the unending persistence, the respect and hatred you could have for your worst adversary. To correspond to the solid elements of its narrative, it is necessary the graphic vision to represent it, drawn by Goseki Kojima, it is not an exaggeration to qualify it as one of the best drawn manga, even more if we think of the time in which it was published. It is often mentioned that horses represent one of the greatest challenges for an artist, and in Kozure Ookami there are plenty of horses. From full pages where the energy and strength of their movements can be seen, to double page spreads where several of them are present in the middle of the exciting battles. The battles themselves have an enormous complexity in their stroke, the characters and their movements, the fierceness of the cuts and force of the blows, in a careful layout, dedicated to setting the tension of the confrontation. Several of my favorite panels are the ones that narrate at different levels what is happening and what could happen, using looks and shadows. And when not in the action there is dedication to the mundane representation of society in its small actions, be it eating a small dessert in the street or crossing a river, in the same are also presented different Japanese scenarios reminiscent of the classics of Ukiyo-e. It is a visual work where each part is admirable, and as a whole, it is impressive. Mentioning a bit its transcendence because I consider it relevant given its historical importance, it exerted an impact on the genre (for many it is the ultimate samurai work), spreading even more thanks to the Live Action adaptations. It is also quite recognized in the West because it popularizes (and considered as origin) of the trope "tough man on a journey with a boy" present in different media and forms be it in comics (Road to Perdition), video game (The Last of Us) or cinema (Logan). I would understand why someone after finishing it would not be equally impressed or shocked as it was in my case, because there is no marked empathy or bonding with the characters given the solidity of his character and rough road, however, those who think about it in its entirety and the value of its parts, will recognize an admirable work. To the violent journey of father and son to take revenge for the life that was stolen from them.
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Feb 12, 2024
Dorohedoro
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The following review is in Spanish and English (this one translated with the support of DeepL)
The version I read is the spanish translation by Derian CU, who belongs to "Fansub Obras Perdidas" English One of the main strengths of its story is the fantastic set of characters, because although it could be said that Kaiman and Nikaido is the main couple, as the story progresses, more and more characters are added, each one contributing their point of view in different narrative planes, constituting a choral story. If you saw the adaptation in 2020 you will also have perceived it in this way, despite being the antagonists, the EN ... family are other protagonists instead of being only adversaries. Achieved by the endearment of each character, be it for their marked personality like EN, Shin or Kaiman himself, others in their eccentricity in the case of Ebisu or Kusakabe, for their story arc having Nikaido and Fujita or because he is a cockroach respect to the beloved Johnson. With a cast of characters so varied in personalities and designs it gives the appearance of a chaotic story, which is fitting... to a certain extent. One of the surprises of the manga's development versus the impressions I had of its animated adaptation is about the regularity of the "irregular" elements within the story, such as the well-known baseball game, I thought most of its development would be subject to that impression and on the contrary, most of it happens during the first season. From a certain point, all events will be related to the main thread in some way, and it's not that it loses its element of chaos and strangeness, it will simply be refocused for story purposes, that is, it won't go to an inconsequential plot tangent, it will always be linked to the background of some character or the world. I don't consider it a negative or positive point, it's simply something that surprised me given the impression I had and usually read from other people regarding Dorohedoro. And from the above it is implicit that even in the strangeness and irregularity of the beginning, there is a structured story unraveling after each new surprise, which also grows in complexity and scope, getting that in its final stretch, each chapter will have an unexpected revelation. It is possible to get lost in the explanations behind certain obscure mysteries or unexpected revelations, but the substance of the situation remains understandable and interesting. Nor do I mean to imply that it embarks on a uniquely ominous and serious story, on the contrary, it retains that uniqueness of the characters throughout. The work has a sense of humor whether intentional or unconscious about the events, that even in the worst massacre given the absurdity and grotesque of what happened, is not an emotional blow but an adrenaline rush, with the desire to continue reading what the new twist has entailed. That said, even having this approach to the events does not imply a hollow background, in fact, I consider that the work has very valuable implications in the construction of its world and the cadence of the events for a more detailed analysis in a proper re-reading. Anyway, in the first reading you will enjoy an entertaining journey where we get one of the main messages, friendship and camaraderie, beyond the feasible pairings between characters (all of them very well deserved) there is a general idea about friendship, support each other because even if you don't share blood, you become your family. And it's a very special message coming from a series known for its high content of violence, and precisely, I couldn't finish without mentioning Q's spectacular talent in absolutely everything. A very varied character design and all memorable, a detailed background that in several panels is almost inconceivable, the impressive covers, his excellent stroke for the battle scenes in a very recognizable style, "dirty" and "dark" usually they call him, when you read it you understand why. The only "but" would qualify the ending, certainly the expectations and framework that were built for that point could have been resolved in a more memorable way for the reader, on par with other great moments of the manga, but I do not consider that it spoiled or tarnished the course. Dorohedoro is a series that is presented as chaotic, in reality it has a fairly complex and planned story, perhaps without a conclusion on par with the events that led up to it, but it doesn't eliminate the parts that made it up. Creativity and brutality in scenes with heart, in a Hole in the middle of an eternal rain, there is still hope for a better future. Español Una de las principales fortalezas de su historia es el fantástico conjunto de personajes, porque pese a que podría decirse que Kaiman y Nikaido es la pareja protagónica, conforme avanza la historia, se agregan más y más personajes, cada cuál aportando su punto de vista en diferentes planos narrativos, constituyendo un relato coral. Si viste la adaptación en 2020 también lo habrás percibido de tal manera, pese a ser los antagonistas, la familia EN son otros protagonistas en vez de ser únicamente adversarios. Conseguido por la entrañabilidad de cada personaje, sea por su marcada personalidad como EN, Shin o el mismo Kaiman, otros en su excentricidad en el caso de Ebisu o Kusakabe, por el arco de su historia teniendo a Nikaido y Fujita o porque es una cucaracha respecto al querido Johnson. Con un elenco de personajes tan variado en personalidades y diseños da la apariencia de una historia caótica, lo cuál corresponde… hasta cierto punto. Una de las sorpresas del desarrollo del manga frente a las impresiones que tuve de su adaptación animada es sobre la regularidad de los elementos “irregulares” dentro de la historia, como el reconocido partido de béisbol, pensaba que la mayoría de su desarrollo estaría sujeto bajo esa impresión y al contrario, la mayoría suceden durante la primera temporada. Desde cierto punto, todos los eventos estarán relacionados al hilo conductor principal de alguna manera, y no es que pierda su elemento caótico y de extrañeza, sencillamente será reenfocado para propósitos de la historia, es decir, no se dirigirá a una trama tangente intrascendente, siempre estará vinculado al trasfondo de algún personaje o del mundo. No lo considero punto negativo o positivo, simplemente es algo que me sorprendió dada la impresión que tenía y que usualmente leo de otras personas respecto a Dorohedoro. Y de lo anterior es implícito que aún en la extrañeza e irregularidad del comienzo, hay una historia estructurada desvelándose tras cada nueva sorpresa, que además crece en complejidad y alcance, consiguiendo que en su tramo final, cada capítulo tendrá una inesperada revelación. Es factible perderse en las explicaciones tras ciertos oscuros misterios o inesperadas revelaciones, más lo importante de la situación sigue entendible e interesante. Tampoco quiero implicar que se embarque en únicamente historia en un tono ominoso y serio, al contrario, conserva esa singularidad de los personajes en todo momento. La obra tiene un sentido del humor sea intencional o inconsciente acerca de los sucesos, que aún en la peor masacre dado lo absurdo y grotesco de lo acontecido, no sea un golpe emocional sino adrenalínico, con ganas de seguir leyendo hacía que ha conllevado el nuevo giro. Eso sí, aún teniendo ese enfoque acerca de los sucesos tampoco implica un trasfondo hueco, de hecho, considero que la obra tiene implicaciones muy valiosas en la construcción de su mundo y la cadencia de los sucesos para un análisis más detallado en una apropiada relectura. De todas formas, en la primera lectura disfrutarás de un entretenido viaje donde captamos uno de los mensajes principales, la amistad y camaradería, más allá de las factibles parejas entre personajes (todas ellas muy merecidas) hay una idea general acerca de la amistad, apoyarse cada quién unos con otros porque aún si no comparten sangre, llegan a ser tu familia. Y es un mensaje muy especial viniendo de una serie reconocida por los altos contenidos de violencia, y precisamente, no podría terminar sin mencionar el espectacular talento de Q en absolutamente todo. Un diseño de personajes muy variados y todos memorables, un detallado de fondos que en varios paneles es casi que inconcebible, las impresionantes portadas, su excelente trazo para las escenas de batalla en un estilo muy reconocible, “sucio” y “oscuro” usualmente le denominan, al leerlo entiendes porque. De único “pero” calificaría el final, ciertamente las expectativas y entramado que fueron construidos para ese punto podrían haberse resuelto de una forma más memorable para el lector, a la par de otros grandes momentos del manga, pero tampoco considero que sea estropeado o empañado el transcurso. Dorohedoro es una serie que presentada como caótica, en realidad tiene una historia bastante compleja y planificada, puede que sin una conclusión al nivel de los hechos que le llevaron allí, más no elimina a las partes que le conformaron. Creatividad y brutalidad en escenas con corazón, en un Hole en medio de una eterna lluvia, sigue habiendo la esperanza de un futuro algo mejor.
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Oct 10, 2023
Yokohama Kaidashi Kikou
(Manga)
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La siguiente reseña está en inglés y español
The following review is in English and Spanish English (Translated with www.DeepL.com/Translator) The manga is the story of Alpha in his small cafe in Yokohama, classifiable (and can even be considered as an important influence) in the archetype where "nothing happens". The chapters are small anecdotes of Alpha's daily life and, from time to time, she shares the limelight with one of the other secondary characters: The children who sometimes visit her, an explorer who every now and then returns to town, a friendly messenger or the eternal passenger of a strange airplane. Nothing strange except that Alpha is ... a robot, and the entire coastline of Yokohama has been (and still is) consumed by the rising sea. The story takes place years after a catastrophic event, Hitoshi (author of the manga) never gives enough information about what exactly happened, we can assume a rise of the ocean level due to a melting at the poles, although he would not answer the reason behind the robots either, because his interest is not to structure the appeal of his world on a post-disaster characterization, on the contrary, he wants us to stay for the nostalgically familiar of his landscapes. Nostalgia, that is the other key point in the development of Yokohama. Most of its chapters are short and only a few lines of dialogue, they are not built with the present as action but in the present as past, the action that directly becomes memory... and to defend myself from accusations of overthinking I will refer to the story. Alpha is not a robot by chance, it has two important factors in the construction of a nostalgia starting with the most obvious one, its non-aging. Despite lasting relatively few chapters, during the manga we will see a good part of its characters grow up, children becoming adults and adults leaving us naturally in the course. Everything from Alpha who does not change physically, serving as a constant contrast and reminder of the inevitable passage of time; hence the drawback on how we will notice a change in the protagonist, but it is solved with the help of a classic cliché, the robot becoming more and more human. She didn't start out as a typical unfeeling robot, from the beginning she is highly expressive almost not even emphasizing her artificial nature apart from her problem with different foods, and anyway, she changes. Over the course of the story she gains courage to try new things, learn and explore, her appreciation as a robot in seemingly very human subjects provides those small and sincere observations about music or art. Finally, the development of a taste for photography - is there a better illustration of the uniqueness of the moment? A record in image with which you can connect and relive, in your senses, that short instant, and to give space for those moments to happen we have the long panels dedicated to be observation of landscapes, sunsets, sunken villages or strange formations, about the transience in the beauty of a moment. There are multiple secondary characters that deserve to have a couple of lines about their characterization in line with the general theme, but I consider that if they are, they should be in an analysis, or even better, read them by yourself to get to know them from the beginning. To highlight how even in the relatively futuristic context there is a marked presence of classical Japanese folklore, past and future meet to support the main themes and ideas without ever being protagonists in themselves, leaving it to their landscapes framed in both times, in their duality. It is ironic how there is a marked effort to achieve that normality, and without being forced, it is the daily life in that small town, and of course, it could not be achieved without being visually characterized. The drawing by Hitoshi Ashinano is of few strokes or strength, instead it is smoothness and precision to achieve what seems simple or straightforward but requires dedication and experience. Not just anyone can achieve the construction of landscapes so close to our reality and that seem a line away from becoming the scene of a dream, of a memory. His stroke throughout the story improved significantly, allowing it to become even more evocative as we read on. It is an essentially contemplative reading and therefore I can understand how it could not be for everyone. It will be dedicated to those who are willing to enter into its proposal of encounters and farewells, of small conversations accompanied by a coffee, or in the silence of watching the stars fall in company. In allowing that life is not a cadence of great moments, but of small memories. Español El manga es la historia de Alpha en su pequeño café en Yokohama, clasificable (y hasta puede considerarse como importante influencia) en el arquetipo dónde “no pasa nada”. Los capítulos son pequeñas anécdotas de la vida cotidiana de Alpha y, de vez en cuándo, comparte protagonismo con alguno de los otros personajes secundarios: Los niños que a veces la visitan, un explorador quién cada tanto regresa al pueblo, una amigable mensajera o la eterna pasajera de un extraño avión. Nada extraño a excepción de lo que no es normal, y es que Alpha es una robot, y toda la línea costera de Yokohama ha sido consumida (y lo sigue siendo) por la subida del mar. La historia ocurre años después de un evento catastrófico, Hitoshi (autor del manga) nunca brinda la información suficiente sobre qué ocurrió exactamente, podemos suponer un aumento del nivel del océano por un derretimiento en los polos aunque tampoco respondería la razón detrás de los robots, porque su interés no es estructurar el atractivo de su mundo sobre una caracterización post desastre, al contrario, quiere que nos quedemos por lo nostálgicamente familiar de sus paisajes. La nostalgia, ese es el otro punto clave en el desarrollo de Yokohama. La mayor parte de sus capítulos son cortos y de apenas unas cuántas líneas de diálogo, no están construidos con el presente como acción sino en el presente como pasado, la acción que directamente se convierte en recuerdo… y para defenderme de acusaciones en sobrepensamiento me remitiré a la historia. Alpha no es una robot por casualidad, tiene dos factores importantes en la construcción de una nostalgia comenzando por el más evidente, su no envejecimiento. Pese a durar relativamente pocos capítulos, durante el manga veremos a buena parte de sus personajes crecer, niños convertirse en adultos y adultos dejándonos naturalmente en el transcurso. Todo desde Alpha quien no cambia físicamente, sirviendo como un constante contraste y recordatorio del inevitable paso del tiempo; de ahí el inconveniente en la forma en que se notará un cambio de lal protagonista, más es solventado con la ayuda de un clásico tópico, el robot siendo cada vez más humano. Ella no comenzó como una típica robot sin sentimientos, desde el inicio es altamente expresiva casi ni haciendo hincapié a su naturaleza artificial aparte de su problema con diferentes comidas, y de todas formas, cambia. En el transcurso de la historia adquiere valor para intentar cosas nuevas, aprender y explorar, su apreciación como robot en temas aparentemente muy humanos brinda esas pequeñas y sinceras observaciones sobre la música o arte. Por último, el desarrollo en el gusto por la fotografía ¿Acaso hay mejor muestra sobre la singularidad del momento? Un registro en imagen con el que puede conectarse y revivir, en sus sentidos, ese corto instante, y para dar espacio a que sucedan esos momentos tenemos los largos paneles dedicados a ser observación de paisajes, atardeceres, pueblos hundidos o extrañas formaciones, sobre la fugacidad en la belleza de un momento. Hay múltiples personajes secundarios que merecerían tener su par de líneas acerca de su caracterización en línea con la temática general, pero considero que de estarlo deberían de serlo en un análisis, o todavía mejor, leerlos por ti mismo para conocerlos desde un comienzo. A destacar como aún en el contexto relativamente futurista hay una marcada presencia del folclore clásico japonés, pasado y futuro se encuentran para apoyar a las temáticas e ideas principales sin nunca ser protagonistas en sí mismas, dejárselo a sus paisajes enmarcados en ambos tiempos, en su dualidad. Es irónico como hay un marcado esfuerzo en conseguir esa normalidad, y sin estar forzada, y por supuesto, no podía conseguirse sin estar visualmente caracterizada. El dibujo por Hitoshi Ashinano es de pocos trazos o fuerza, en cambio es suavidad y precisión para conseguir lo que parece simple o sencillo más que requiere de dedicación y experiencia. No cualquiera puede conseguir la construcción de paisajes tan cercanos a nuestra realidad y que parecen a una línea de convertirse en el escenario de un sueño, de un recuerdo. Su trazo a lo largo de la historia fue mejorando significativamente, permitiendo que nos genere todavía más evocación conforme seguimos leyendo. Es una lectura esencialmente contemplativa y de ahí que pueda comprender cómo no podría ser para cualquiera. Será dedicada a quienes estén dispuestos a entrar en su propuesta de encuentros y despedidas, de pequeñas conversaciones acompañadas de un café, o en el silencio de ver en compañía la caída de estrellas. En permitirse que la vida no es una cadencia de grandes momentos, sino de pequeños recuerdos.
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Sep 28, 2023 Recommended
English (Translated with www.DeepL.com/Translator)
Onizuka's anime could easily be among my favorites, I was genuinely enchanted by its story, art and music, it just lacked something... an ending. While reading the manga I noticed how they only adapted half of the story, so I didn't know half of what would happen and it's an absolute shame, there are scenes and moments that deserve to be animated. However, I'm going ahead, this is a comment in honor of my motivation thanks to the anime. Let's start from the basics and clarifying, I've read the manga from the beginning. Onizuka is an approach you may be familiar with, a ... "different" teacher assigned to a "troubled" class, reforming each student through confronting their problems as they build a relationship, something common in anime and western series/movies. As one would expect from the conventions of the approach, Onizuka is not a "typical" teacher nor does he even have a defined specialty of study, he has a distinct personality and ideals gained from a difficult life; he knows how to gauge the value of people, their level of commitment, to what extent they are willing to do what they say they are capable of doing, and it is not just in relation to others, he applies the same to himself, being stubborn and committed to duty. What separates him from the traditional teacher model is not being traditional at all: Young, biker delinquent looking, he has a hooligan attitude, unafraid to stand up to authorities, break the rules, is disobedient, perverted or stubborn, among several other negative attributes. Shocking to many but forgivable to a certain extent, because as mentioned, above all things, Onizuka is sincere. It is a good idea of the author to provide him with a background of a leader in a biker gang, apart from the obvious narrative implications that a teacher does not have to come from a wealthy family or a model student, it gives the justification for him to simply be strong, because one of the key factors of his character is not only to have the ideals, it is to have the strength to defend them at all costs. Eikichi is strong, too strong and we can literally say it is for the sake of the plot. The focus of the manga is not fights or combat, it's a means to reaffirm how absolutely great Onizuka is, his stubbornness and dedication, build him an almost mythical aura. And it might seem counterproductive, if you strip the human from a character that should be the light for the teachings of the troubled students the intention would be lost, wouldn't it? However, let's remember that Onizuka is far from perfect, he is the character with the most flaws (in quantity, not in severity) and even more important, his own revelation and dilemma are already past, he starts the story with his ideals intruded. It does not imply that throughout the story he does not have different low points, but he will always overcome them either by himself or thanks to the friends he has acquired along the way. He himself is not an example to follow, it is his optimistic attitude of always moving forward and overcoming every problem no matter how difficult it may seem to be, of knowing that he has the physical strength and willpower not to run away, on the contrary, to jump right in. Again, Onizuka is sincere. Further, having made it clear that no matter how difficult the problem, Onizuka will pull through, it might seem that each arc will be an iteration of a previous one, with no sense of danger or excitement, and at a certain point the reader will know this, which will remain unimportant because his real interest is not in Eikichi, it is in the characters that will make up the arc. Even though they are quite similar in resolution, the path of each is substantially different and just as exciting. GTO manages to create a classroom, it may seem obvious but even being the schooling of the most common scenarios in the anime, there are few where we will remember beyond the main group of friends, and in GTO we will have almost in its entirety, a classroom. Of course, there will be scenery secondaries that will remain as scenery secondaries, and it won't matter, those who at some point were in the foreground will become special on their own merit. The differences and particularities form them as people that are then reinforced in the interaction with the others, abusers and abused are interspersed to reveal the circumstances of each one. It may seem unfair or exaggerated to give a raison d'être to every protagonist, but considering his story's exposition of how we are all people, it is fitting. Having characters that are absolutely deviant will have at least one vignette, a shot where their soul has been bared, they will be exposed for what they are, imperfect. And the variation of secondary characters allows to expose small reflections, relieving the saturation of the central speech about the good teacher, anyway, the manga lasts a little longer than it should. During the last quarter of duration Onizuka's presence feels too exaggerated, it happens the same with his adversaries, still I wouldn't know who to omit because of how much I liked those little instants, instead I would condense it to alleviate the consistency. In my memory not only Onizuka will remain, a good handful of his secondary characters will be among my memories, above all I want to highlight who is usually the outstanding one, Urumi Kanzaki, my favorite female character of the work and who will be among my favorites in general. From there I want to mention about Onizuka's perverted behavior provoking several situations of harassment to numerous female characters, that together with different plots in diverse arcs that have some constant to sexuality, can be tiring or offensive for several. Well it is gratuitous most of the time, but it corresponds to Onizuka's perverted characterization within the guidelines that have guided him, such as not crossing the line with any student, nor how he reduces other characters such as Tomoko or Azusa merely to sexual attractiveness. Tooru Fujisawa's drawing is a genius, I don't have enough adjectives or worthy to summarize what I have come to like his stroke, even in the simplest scene the characters are full of expression and characterization, and in its action it has nothing to envy to the best Shonen; but the factor that especially reflects Tooru's talent is his sense of composition, when he decides at what moment to play with the background, the surroundings or the position to capture the impact of the climax in the arc in a single plane. After how unsatisfied I was with the anime, his manga has received me and more than enough, perhaps a little more than I would have preferred, and ironically if I felt I owed a slightly more extended ending to give a small moment of farewell to each secondary. But in fact, GTO will surely remain in my memory for a long time, it may not have been perfect, but its representation of how each person is a composition of imperfections where the only thing left to do is to face them is, in my opinion, perfect. Español El anime de Onizuka fácilmente podía estar entre mis favoritos, estuve genuinamente encantado de su historia, arte y música, sólo le hacía falta algo… un final. Mientras leía el manga caí en cuenta de cómo únicamente adaptaron la mitad de la historia, por eso desconocía la mitad de lo que sucedería y es una absoluta lástima, hay escenas y momentos que merecen estar animados. Sin embargo, me adelanto, es un comentario en honor a mi motivación gracias al anime. Partamos desde lo básico y aclarando, he leído el manga desde el comienzo. Onizuka es un planteamiento que puede serte familiar, un profesor “diferente” asignado a una clase “problemática”, reformando a cada estudiante a través de un enfrentamiento a sus problemas mientras construyen una relación, algo común en anime y series/películas occidentales. Como se esperaría de las convenciones del enfoque, Onizuka no es un profesor “típico” ni siquiera tiene una especialidad de estudio definida, cuenta con una marcada personalidad e ideales obtenidos de una vida difícil; sabe cómo medir el valor de las personas, su nivel de compromiso, hasta qué punto están dispuestos a hacer lo que dicen ser capaces de hacer, y no es sólo en relación con lo demás, aplica lo mismo a su persona, siendo obstinado y comprometido con el deber. Lo que le separa del modelo tradicional de maestro es no tener nada de tradicional: Joven, con aspecto de delincuente motero, tiene una actitud gamberra, sin temor a enfrentarse a las autoridades, romper las reglas, es desobediente, pervertido o testarudo, entre otros varios atributos negativos. Chocantes para varios pero perdonados hasta cierto punto, porque como se mencionó, por encima de todas las cosas, Onizuka es sincero. Es una buena idea del autor dotarle con un trasfondo de líder en una banda de moteros, aparte de las evidentes implicaciones narrativas que un profesor no tiene porque venir de una familia acomodada o un estudiante modelo, da la justificación para que sencillamente sea fuerte, porque uno de los factores claves de su personaje es no sólo tener los ideales, es tener la fuerza para defenderlos a toda costa. Eikichi es fuerte, demasiado fuerte y podemos decir que literalmente es por el bien de la trama. El enfoque del manga no son las peleas o el combate, es un medio para reafirmar lo absolutamente genial que es Onizuka, su obstinación y dedicación, construirle un aura casi mítica. Y podría parecer contraproducente, si despojas lo humano a un personaje que debería de ser la luz para las enseñanzas de los estudiantes problemáticos se perdería la intención ¿no? Sin embargo, recordemos que Onizuka está muy lejos de ser perfecto, es el personaje que más defectos tiene (en cantidad, no en gravedad) y todavía más importante, su propia revelación y dilema ya han pasado, él comienza la historia con sus ideales inmiscuidos. No implica que a lo largo de la historia no tenga diferentes puntos bajos, pero siempre los superará sea por sí mismo o gracias a los amigos que ha ido adquiriendo en el camino. Él en sí no es un ejemplo a seguir, es su actitud optimista de siempre seguir adelante y superar cada problema sin importar lo difícil que pueda parecer ser, de saber que tiene la fuerza física y de voluntad en no escaparse, al contrario, de lanzarse directamente. Nuevamente, Onizuka es sincero. Más al haber aclarado que sin importar lo difícil del problema, Onizuka se repondrá, podría parecer que cada arco será iteración de alguno previo, sin sentido del peligro o emoción, y en cierto punto el lector lo sabrá, cosa que seguirá sin importarle porque su verdadero interés no radica en Eikichi, está en los personajes que conformarán el arco. Aún siendo bastante similares de resolución, el camino de cada cuál es sustancialmente diferente e igual de emocionante. GTO consigue crear un salón de clases, puede parecer evidente pero aún siendo la escolaridad de los escenarios más comunes en el anime, son pocos dónde recordaremos más allá del grupo principal de amigos, y en GTO tendremos casi en su totalidad, un salón de clases. Por supuesto, habrá secundarios de paisaje que se mantendrán como secundarios de paisaje, y no importará, aquellos quienes en algún momento estuvieron en primera plana se volverán especiales por su propio mérito. Las diferencias y particularidades les forman como personas que luego se refuerza en la interacción con los otros, abusadores y abusados se intercalan para ir revelando las circunstancias de cada quién. Puede parecer injusto o exagerado dotar de una razón de ser en todo protagónico, pero considerando la exposición de su historia sobre cómo todos somos personas, es correspondiente. Habiendo personajes que son absolutamente desviados tendrán al menos una viñeta, un plano dónde su alma ha sido desnudada, estarán expuestos como lo que son, imperfectos. Y la variación de secundarios permite exponer pequeñas reflexiones, aliviando la saturación del discurso central sobre el buen profesor, de todas maneras, el manga dura un poco más de lo que debería. Durante el último cuarto de duración la presencia de Onizuka se siente demasiado exagerada, sucede igual con sus adversarios, aún así no sabría a quién omitir debido a lo mucho que me gustaron esos pequeños instantes, en cambio lo condensaría para aliviar la consistencia. En mi recuerdo no sólo quedará Onizuka, un buen puñado de sus secundarios estarán entre mis memorias, sobre todo quiero destacar a quién es usualmente la destacada, Urumi Kanzaki, mi personaje femenino favorito de la obra y quién estará entre mis favoritas en general. De ahí quiero mencionar sobre el comportamiento pervertido de Onizuka provocando varias situaciones de acoso a numerosos personajes femeninos, que junto a diferentes tramas en diversos arcos que tienen alguna constante a la sexualidad, puede resultar cansino u ofensivo para varios. Bien resulta gratuito en su mayoría de veces, más corresponde a la caracterización pervertida de Onizuka dentro de los lineamientos que le han guiado, como no cruzar la línea con ninguna estudiante, ni cómo tampoco reduce meramente a atractivo sexual a otros personajes como Tomoko o Azusa. El dibujo de Tooru Fujisawa es una genialidad, no tengo adjetivos suficientes ni merecedores de resumir lo que me ha llegado a gustar su trazo, aún en la escena más simple los personajes están llenos de expresión y caracterización, y en su acción no tiene nada que envidiar a los mejores Shonen; pero el factor que especialmente refleja el talento de Tooru es su sentido de la composición, cuándo decide en qué momento jugar con el fondo, los alrededores o la posición para capturar el impacto del clímax en el arco en un sólo plano. Tras lo insatisfecho que me dejo el anime, su manga me ha recibido y de sobra, tal vez un poco más de lo que hubiera preferido, e irónicamente si sentí a deber un final algo más extendido para darle un pequeño momento de despedida a cada secundario. Pero hecho a los hechos, GTO seguramente quede en mi memoria por bastante tiempo, puede que no haya sido perfecto, más su representación de cómo cada persona es una composición de imperfecciones dónde sólo queda enfrentarlas es a mi parecer, perfecta.
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